• Teori ekspresi seni

    Buku tentang philosophy of art

    Noel caroll

    Selama berabad-abad, representasi dianggap sebagai ciri utama seni yang menentukan. Di mana representasi dipahami dalam arti imitasi, peran seniman dapat dianalogikan dengan memegang cermin di alam. Berbicara secara luas, penekanan dalam teori-teori seni imitasi adalah pada aspek-aspek lahiriah benda-benda—tampilan benda-benda dan tindakan-tindakan manusia. Dalam arti kata yang longgar, seni dicirikan dalam hal perhatian utama dengan fitur objektif dari dunia “eksternal” dengan alam dan perilaku yang dapat diamati.

    Tetapi, di Barat, ketika abad kedelapan belas melebur ke dalam abad kesembilan belas, seniman-seniman ambisius—baik dalam teori maupun praktik—mulai beralih ke dalam; mereka menjadi kurang sibuk dengan menangkap penampilan alam dan tata krama masyarakat dibandingkan dengan mengeksplorasi pengalaman subjektif mereka sendiri. Di mana seniman masih menggambarkan lanskap, lanskap memiliki makna di luar sifat fisiknya. Para seniman yang bersangkutan juga berusaha untuk mencatat reaksi mereka-perasaan mereka-tentang bentang alam. Sedangkan di bawah teori seni imitasi, seniman dikatakan hadir terutama untuk mencerminkan dunia objektif, pada awal abad kesembilan belas, seniman menjadi lebih memperhatikan dunia subjektif atau “batin” pengalaman.

    Sebuah contoh penting dari pergeseran seismik dalam ambisi artistik adalah gerakan Romantis. Pada tahun 1798, dalam Preface to Lyrical Ballads-nya, Wordsworth menyatakan bahwa puisi “adalah luapan spontan dari perasaan yang kuat.” Artinya, peran penyair pada hakikatnya bukan untuk mencerminkan tindakan orang lain, tetapi untuk mengeksplorasi perasaannya sendiri. Romantisme menempatkan nilai utama pada diri dan pengalaman individunya sendiri. Di mana penyair merenungkan beberapa adegan luar, adegan itu tidak disajikan untuk dirinya sendiri, tetapi sebagai stimulus bagi penyair untuk memeriksa respons emosionalnya sendiri terhadapnya.

    Dunia disajikan dari sudut pandang yang jenuh secara emosional, di mana perspektif emosional penyair individu lebih penting daripada sekadar menggambarkan apa pun yang memunculkannya (seperti skylark atau guci Yunani). Bagi penyair Romantis, sang seniman tidak mengabdikan diri pada tiruan atau representasi budak dari dunia eksternal yang objektif, tetapi pada penyajian dunia batin, subjektif – penyajian emosi dan perasaan sang seniman. Dan dalam musik, juga, karya komposer seperti Beethoven, Brahms, Tchaikovsky, dan lainnya dianggap sebagai proyeksi perasaan yang kuat.

    Dunia disajikan dari sudut pandang yang jenuh secara emosional, di mana perspektif emosional penyair individu lebih penting daripada sekadar menggambarkan apa pun yang memunculkannya (seperti skylark atau guci Yunani). Bagi penyair Romantis, sang seniman tidak mengabdikan diri pada tiruan atau representasi budak dari dunia eksternal yang objektif, tetapi pada penyajian dunia batin, subjektif – penyajian emosi dan perasaan sang seniman. Dan dalam musik, juga, karya komposer seperti Beethoven, Brahms, Tchaikovsky, dan lainnya dianggap sebagai proyeksi perasaan yang kuat.

    Romantisme sangat mempengaruhi jalannya seni berikutnya. Kami masih hidup dalam bayang-bayang Romantisisme. Mungkin citra artis yang paling sering muncul dalam budaya populer saat ini tetap menjadi penulis yang mendesak secara emosional (komposer, pelukis, dll.) yang mencoba berhubungan dengan perasaannya. Banyak gerakan seni abad kedua puluh, dari Ekspresionisme Jerman hingga Tari Modern, dapat dilihat sebagai keturunan langsung Romantisisme. Selain itu, karena perkembangan ini semakin menyimpang dari kanon imitasi yang ketat dengan menggunakan distorsi dan abstraksi untuk tujuan ekspresif – mereka semakin membuktikan kekurangan teori imitasi dan representasi seni.

    Karena bukan saja eksperimen-eksperimen ini sendiri sering kali bertentangan dengan teori-teori seni yang berkuasa; mereka juga mendorong orang untuk melihat kembali catatan sejarah, di mana pihak-pihak yang berkepentingan melihat bahwa Romantisisme dan perubahan-perubahannya bukanlah sesuatu yang sama sekali baru di bawah matahari, tetapi ekspresi emosi adalah sesuatu yang seni telah terlibat terus-menerus. Bukankah soneta Shakespeare ekspresif? Dengan demikian, seni baik baru (Romantisisme dan kebangkitan musik absolut) dan lama membutuhkan jenis teori komprehensif baru, yang lebih inklusif daripada dan lebih sensitif terhadap ekspresi emosional daripada teori seni representasional. Dan dalam konteks inilah teori-teori ekspresi seni mengemuka.

    Teori seni representasional memperlakukan karya seniman mirip dengan karya ilmuwan. Keduanya, bisa dikatakan, terlibat dalam menggambarkan dunia luar. Tetapi pada abad kesembilan belas, perbandingan apa pun antara ilmuwan dan seniman pasti akan membuat seniman terlihat seperti hubungan yang buruk dalam hal membuat penemuan tentang dunia atau mengangkat cermin ke alam. Di sini, sains jelas memiliki keunggulan.

    Jadi, ada tekanan sosial bagi seni untuk memunculkan beberapa panggilan yang membedakan dirinya dari sains dan, pada saat yang sama, membuat seni setara dengan sains. Gagasan bahwa seni berspesialisasi dalam ekspresi emosi sangat menarik dalam hal ini. Itu menjadikan sains miliknya sendiri – eksplorasi dunia objektif – sambil menyimpan sesuatu yang relatif penting untuk dilakukan seni – untuk menjelajahi dunia batin perasaan. Jika sains mengangkat cermin ke alam; seni menjadi cermin pada diri dan pengalamannya.

    Pada awal abad kedua puluh, filsafat seni dipersiapkan untuk perubahan besar. Dari sudut pandang intelektual murni, teori seni representasional akan dihentikan; mereka gagal untuk mengkarakterisasi seni-baik baru-baru ini dan masa lalu-secara komprehensif. Selain itu, dalam menempatkan seni di liga yang sama dengan sains, mereka membuat seni tampak prima untuk usang. Akibatnya, teori, praktik, dan urgensi sosial semuanya bersekongkol untuk mengarahkan dunia seni ke arah filosofi ekspresi. seni.

    Sepanjang abad kedua puluh banyak versi yang berbeda dari teori ekspresi seni telah dikemukakan. Sampai pertengahan abad, teori semacam itu mungkin merupakan pendekatan paling umum yang ditawarkan. Pada dasarnya, semua teori ekspresi menyatakan bahwa sesuatu adalah seni hanya jika itu mengekspresikan emosi. “Ekspresi” berasal dari kata Latin yang berarti “menekan keluar” -seperti seseorang memeras jus dari anggur. Apa yang diklaim oleh teori ekspresi adalah bahwa seni pada dasarnya terlibat dalam membawa perasaan ke permukaan, membawanya ke luar di mana mereka dapat dirasakan oleh seniman dan penonton.

    Meskipun teori ekspresi seni berbeda dalam banyak hal, satu jenis teori, yang dipopulerkan oleh Leo Tolstoy, menganggap ekspresi sebagai bentuk komunikasi. Ketika saya mengekspresikan diri kepada Anda, saya berkomunikasi dengan Anda. Tentu saja, tidak semua komunikasi adalah seni. Jadi bagaimana seseorang membedakan antara komunikasi artistik dan jenis lainnya? Menurut teori semacam ini, apa yang menandai seni adalah bahwa seni terutama berkaitan dengan ekspresi atau komunikasi emosi. Dengan seni, keadaan emosional batin dieksternalkan; itu dibawa ke tempat terbuka dan ditransmisikan ke pemirsa, pembaca, dan pendengar.

    Tetapi bagaimana kita memahami gagasan tentang transmisi emosi ini? Dasar dari ide transmisi adalah konsep transfer. Mentransmisikan sesuatu berarti mentransfernya. Tapi apa yang ditransfer karya seni? Menurut ahli teori ekspresi, apa yang ditransfer adalah emosi. Seorang seniman melihat pemandangan dan merasa suram. Kemudian dia menggambar lanskap sedemikian rupa sehingga penonton mengalami perasaan suram yang sama. Artis mengekspresikan kesuramannya di sini berarti dia memiliki perasaan muram yang dia sampaikan atau tanamkan pada audiensnya dengan menggambar dengan cara tertentu.

    Konsepsi ekspresi ini melibatkan beberapa hal. Pertama, seniman harus memiliki perasaan atau emosi. Mungkin diarahkan pada pemandangan atau peristiwa, seperti kemenangan militer. Tapi apapun emosi yang diarahkan, teori ekspresi seni mengharuskan seniman mengalami beberapa keadaan emosional. Seniman mengungkapkan keadaan ini-membawanya ke luar dirinya, jadi bisa dikatakan-dengan mencoba menemukan beberapa konfigurasi garis, bentuk, warna, suara, tindakan, dan/atau kata-kata yang sesuai atau yang “cocok” dengan perasaan itu. Kemudian, konfigurasi ini merangsang keadaan emosi yang sama di antara penonton.

    Dalam film Amistad, Steven Spielberg mengungkapkan kemarahannya pada institusi perbudakan. Artinya, dia membuat sesuatu yang memungkinkan penonton film merasakan kemarahan yang sama terhadap perbudakan yang dia rasakan. Perhatikan bahwa pada teori ekspresi semacam ini seniman perlu merasakan sesuatu dan penonton dibawa untuk merasakan (jenis) emosi yang sama. Artinya, untuk versi teori ekspresi ini, harus ada seniman, penonton, dan emosi yang mereka bagikan. Jadi, x adalah seni hanya jika seorang seniman mentransmisikan keadaan perasaan yang sama yang dialami seniman kepada penonton.

    Di sini, kami memiliki tiga kondisi yang diperlukan untuk seni-seniman, penonton dan keadaan perasaan bersama. Tapi jelas ini tidak cukup untuk mendefinisikan seni. Misalkan saya sangat sedih; Saya baru saja kehilangan pekerjaan saya. Saya menangis, bahu saya membungkuk, dan saya berbicara dengan lambat, dengan cara yang terganggu. Anda melihat saya dan, dengan cara berbicara, menangkap beberapa kesedihan saya. Misalkan Anda mulai berpikir tentang kehilangan pekerjaan Anda sendiri-karena Anda berada di urutan berikutnya untuk pergi ke tempat kerja kita bersama dan Anda juga merasa sedih. Jelas, saya mengalami kesedihan dan perilaku saya membuat Anda merasa sedih dan mungkin sedih tentang prospek Anda sendiri dengan cara yang sama seperti saya putus asa tentang prospek saya sendiri. Tapi saya belum membuat karya seni, kan?

    Tidak, dan setidaknya satu alasan untuk mengatakan ini adalah bahwa dengan menangis saya tidak bermaksud membuat karya seni, atau bahkan membuat Anda merasakan sakit saya. Saya sangat tidak bahagia sehingga saya tidak peduli dengan apa yang Anda rasakan. Saya kesal, tetapi bukan niat saya untuk mentransfer perasaan itu kepada orang lain. Ketika seorang seniman mengungkapkan perasaannya, dia melakukannya dengan sengaja. Itu adalah tujuannya. Dia ingin mengungkapkan perasaannya secara terbuka di mana semua orang, termasuk dirinya sendiri, dapat merenungkannya. Sesuatu adalah sebuah karya seni hanya jika itu adalah transmisi yang dimaksudkan kepada penonton dari emosi yang sama yang dialami seniman.

    Tapi bagaimana dengan kartu ucapan? -kartu belasungkawa, misalnya? Misalkan Anda berada dalam bisnis menulis mereka? Apakah kamu seorang artis? Kartu seperti itu mengekspresikan emosi. Tapi mereka adalah emosi yang sangat umum. Itu sebabnya mereka dapat diproduksi dan dijual dalam skala besar. Mereka agak impersonal. Bahkan jika orang yang menciptakannya merasa sedih dan bahkan jika penerimanya juga merasa sedih, kita hampir selalu ragu untuk menyebut mereka sebagai karya seni. Mengapa?

    Mungkin karena emosi yang mereka komunikasikan terlalu umum. Kaum Romantis menempatkan nilai tinggi pada artikulasi pengalaman individu. Namun pengalaman emosional yang disampaikan oleh kartu ucapan tidak bersifat individual. Ini berkaitan, misalnya, dengan kerabat, teman, atau bahkan kenalan yang sudah meninggal. Tapi kami berharap seniman mengatakan hal-hal yang orisinal dan spesifik, bukan kalengan. Jadi mari kita tambahkan ke daftar kondisi yang diperlukan bahwa sebuah karya seni adalah transmisi yang dimaksudkan kepada penonton dari emosi individual yang sama yang dialami seniman.

    Ini masih belum merupakan definisi seni yang memadai karena alasan yang jelas. Misalkan seorang pelukis menerima pemberitahuan pengusiran saat Anda mengunjunginya

    studio. Dia mengambil sekaleng cat merah dan memercikkannya ke dinding, mengutuk keras sambil melemparkannya. Dia marah, dan kemarahannya cukup spesifik- dia merusak tembok, yang merupakan taktik yang dipilih dengan baik untuk menyakiti tuan tanahnya, dan umpatan yang dia teriakkan tentang berat badan tuan tanah, kecenderungan seksual, latar belakang etnis, dan sebagainya semuanya disesuaikan dengan pemilik, dan bukan sembarang orang. Bayangkan bahwa kita terinfeksi dengan kemarahan pelukis terhadap tuan tanahnya. Apakah episode ini salah satu karya pelukis?

    Ini sepertinya tidak mungkin. Ahli teori ekspresi seni biasanya mencoba menjelaskan kesimpulan ini dengan mengatakan bahwa ada perbedaan antara ekspresi artistik dari emosi dan ventilasi emosi belaka. Seni bukanlah masalah ocehan, bahkan jika ocehan kita mengobarkan orang lain dengan cara yang sama seperti kita merasa marah. Kita sering melampiaskan emosi kita kepada orang-orang terkasih yang datang untuk berbagi perasaan kita. Tapi ini bukan seni. Kenapa tidak?

    Seorang seniman memeriksa emosinya; bukan hanya karena dia dirasuki oleh mereka. Bagi artis, keadaan emosinya seperti pengasuh yang berpose untuk potret. Dia berjuang untuk menemukan tekstur dan konturnya. Saat dia merenungkan keadaan emosinya, aktivitasnya dikendalikan. Dia menjelajahinya dengan sengaja dan mencoba menemukan kata, atau warna, atau suara yang tepat untuk mengekspresikannya. Dia mencoba alternatif. Jika dia seorang penyair, pertama-tama dia memilih satu kata, tetapi kemudian menggantinya dengan kata lain yang lebih menangkap perasaannya. Membuat sebuah karya seni bukanlah soal meledak, melampiaskan atau mengoceh; itu adalah proses klarifikasi.

    Biasanya, seorang seniman memulai sebuah karya—puisi, lagu, atau lukisan—dengan perasaan yang mendesak, namun tetap samar. Dia mencoba membawa perasaan ini ke dalam kelegaan yang tajam. Dia mengerjakannya, membawanya ke fokus yang lebih jelas. Sebagian, dia melakukan ini dengan mengeksternalisasinya-dengan bereksperimen dengan berbagai cara untuk mengekspresikannya. Seorang penari akan menggabungkan beberapa frase, seorang pelukis beberapa sapuan kuas, seorang komposer beberapa akord, dan kemudian berdiri kembali dari mereka, menanyakan apakah mereka benar-di mana “benar” berarti “apakah mereka merasa benar?” atau “apakah mereka mendapatkan emosi dengan tepat?” Proses ini mengklarifikasi emosi artis pada saat yang sama bahwa emosi menginspirasi dan menginformasikan pilihan artis.

    Seniman bekerja melalui emosi dengan berusaha untuk mengartikulasikannya dalam medianya. Artis melakukan apa yang kita semua lakukan ketika kita bertanya pada diri sendiri apa yang sebenarnya kita rasakan tentang sesuatu. Beberapa kalimat pertama yang kita ucapkan mungkin tidak jelas dan terpisah-pisah. Tapi kami terus merevisinya, berusaha untuk menjadi lebih. akurat dan presisi. Demikian pula, seorang pelukis bekerja pada permainan yang sama, hanya dia menggunakan garis, bentuk dan warna, bukan kata-kata. Apa warna emosiku? Apakah bergerigi atau halus? Dia mencoba satu baris, tetapi kemudian mempersingkatnya. Lukisan itu berada di bawah bimbingan emosi, tetapi ketika gambar memperoleh lebih banyak detail dan definisi, begitu pula emosinya. Melukis saja adalah cara untuk mendapatkan emosi tertentu, cara untuk mengklarifikasi apa itu cara

    menjelaskan apa yang dirasakan artis. Ini adalah aktivitas yang terkendali, bukan ledakan. Seniman mempelajari emosinya seperti seorang ahli biologi mempelajari sel. Dia menusuknya dengan cara yang berbeda

    studio. Dia mengambil sekaleng cat merah dan memercikkannya ke dinding, mengutuk keras sambil melemparkannya. Dia marah, dan kemarahannya cukup spesifik- dia merusak tembok, yang merupakan taktik yang dipilih dengan baik untuk menyakiti tuan tanahnya, dan umpatan yang dia teriakkan tentang berat badan tuan tanah, kecenderungan seksual, latar belakang etnis, dan sebagainya semuanya disesuaikan dengan pemilik, dan bukan sembarang orang. Bayangkan bahwa kita terinfeksi dengan kemarahan pelukis terhadap tuan tanahnya. Apakah episode ini salah satu karya pelukis?

    Ini sepertinya tidak mungkin. Ahli teori ekspresi seni biasanya mencoba menjelaskan kesimpulan ini dengan mengatakan bahwa ada perbedaan antara ekspresi artistik dari emosi dan ventilasi emosi belaka. Seni bukanlah masalah ocehan, bahkan jika ocehan kita mengobarkan orang lain dengan cara yang sama seperti kita merasa marah. Kita sering melampiaskan emosi kita kepada orang-orang terkasih yang datang untuk berbagi perasaan kita. Tapi ini bukan seni. Kenapa tidak?

    Seorang seniman memeriksa emosinya; bukan hanya karena dia dirasuki oleh mereka. Bagi artis, keadaan emosinya seperti pengasuh yang berpose untuk potret. Dia berjuang untuk menemukan tekstur dan konturnya. Saat dia merenungkan keadaan emosinya, aktivitasnya dikendalikan. Dia menjelajahinya dengan sengaja dan mencoba menemukan kata, atau warna, atau suara yang tepat untuk mengekspresikannya. Dia mencoba alternatif. Jika dia seorang penyair, pertama-tama dia memilih satu kata, tetapi kemudian menggantinya dengan kata lain yang lebih menangkap perasaannya. Membuat sebuah karya seni bukanlah soal meledak, melampiaskan atau mengoceh; itu adalah proses klarifikasi.

    Biasanya, seorang seniman memulai sebuah karya—puisi, lagu, atau lukisan—dengan perasaan yang mendesak, namun tetap samar. Dia mencoba membawa perasaan ini ke dalam kelegaan yang tajam. Dia mengerjakannya, membawanya ke fokus yang lebih jelas. Sebagian, dia melakukan ini dengan mengeksternalisasinya-dengan bereksperimen dengan berbagai cara untuk mengekspresikannya. Seorang penari akan menggabungkan beberapa frase, seorang pelukis beberapa sapuan kuas, seorang komposer beberapa akord, dan kemudian berdiri kembali dari mereka, menanyakan apakah mereka benar-di mana “benar” berarti “apakah mereka merasa benar?” atau “apakah mereka mendapatkan emosi dengan tepat?” Proses ini mengklarifikasi emosi artis pada saat yang sama bahwa emosi menginspirasi dan menginformasikan pilihan artis.

    Seniman bekerja melalui emosi dengan berusaha untuk mengartikulasikannya dalam medianya. Artis melakukan apa yang kita semua lakukan ketika kita bertanya pada diri sendiri apa yang sebenarnya kita rasakan tentang sesuatu. Beberapa kalimat pertama yang kita ucapkan mungkin tidak jelas dan terpisah-pisah. Tapi kami terus merevisinya, berusaha untuk menjadi lebih. akurat dan presisi. Demikian pula, seorang pelukis bekerja pada permainan yang sama, hanya dia menggunakan garis, bentuk dan warna, bukan kata-kata. Apa warna emosiku? Apakah bergerigi atau halus? Dia mencoba satu baris, tetapi kemudian mempersingkatnya. Lukisan itu berada di bawah bimbingan emosi, tetapi ketika gambar memperoleh lebih banyak detail dan definisi, begitu pula emosinya. Melukis saja adalah cara untuk mendapatkan emosi tertentu, cara untuk mengklarifikasi apa itu cara

    menjelaskan apa yang dirasakan artis. Ini adalah aktivitas yang terkendali, bukan ledakan. Seniman mempelajari emosinya seperti seorang ahli biologi mempelajari sel. Dia menusuknya dengan cara yang berbeda

    cara, menggunakan frase atau gerakan cara ahli biologi menggunakan reagen. Dia memeriksanya dari sudut yang berbeda dan dengan teknik yang berbeda, semakin dekat dengan apa yang unik tentangnya. Pada saat dia selesai, jika dia berhasil, dia akan menangkap perasaannya dengan tepat dan memungkinkan pemirsa, pendengar, atau pembaca untuk melakukan hal yang sama. Dia telah merasakan rasa emosinya dalam semua kekayaan dan kekhasannya, dan dia telah memungkinkan orang lain untuk melakukan hal yang sama.

    Sebagai contoh, dalam Soneta LXXIII-nya (“Waktu itu tahun engkau boleh melihatku”), Shakespeare menjelaskan pengalaman intensifikasi tertentu yang kita rasakan untuk orang yang kita cintai ketika kita menyadari bahwa suatu hari mereka akan binasa. Dalam bait-bait berturut-turut, Shakespeare memperkenalkan berbagai metafora kematian, kepunahan, dan berlalu, sehingga mendorong suasana hati yang sangat khusus pada pembaca, yang lebih tepat untuk akumulasi kiasan yang terhubung, yang melalui warnanya yang beragam menggambarkan keadaan emosional yang bercampur aduk, tidak hanya sedih, tetapi juga tersentuh dengan vitalitas yang menyelamatkan.

    Tentu saja, penonton tidak mengalami emosi yang sama seperti yang dialami artis; emosinya terjadi dalam batas-batas tubuhnya, sementara kita masing-masing mengalami emosi kita di tempat kita tinggal. Namun, apa yang dibagikan adalah tipe emosi yang sama. Selain itu, kami tertarik pada seni, dalam pandangan ini, karena memberikan kesempatan untuk mengalami, jika tidak selalu emosi baru, setidaknya emosi yang lebih diuraikan, diartikulasikan, dan tepat daripada yang biasanya kita lakukan. Seni memungkinkan penonton untuk menemukan dan merenungkan kemungkinan emosional. Jadi, pengertian klarifikasi perlu ditambahkan pada penjelasan teoris ekspresi seni. Mari kita katakan bahwa sesuatu adalah seni hanya jika itu adalah transmisi yang dimaksudkan kepada audiens dari perasaan individual yang sama yang dialami dan diklarifikasi oleh seniman.

    Tak perlu dikatakan, seorang seniman mungkin mengklarifikasi perasaannya dengan hanya berfokus pada mereka secara mental. Artinya, paling tidak dapat dibayangkan bahwa seseorang dapat memperjelas keadaan emosinya hanya dengan memikirkannya. Emosi, kemudian, akan diklarifikasi tetapi tidak dieksternalisasi. Namun, bisakah sebuah karya seni ada sepenuhnya, bisa dikatakan, di dalam kepala seseorang? Ini tampaknya melanggar pemahaman kita yang biasa tentang seni yang menganggap karya seni sebagai urusan publik. Tampaknya juga tidak konsisten dengan gagasan ekspresi yang pada dasarnya bertumpu pada gagasan tentang sesuatu yang “di dalam” dibawa “ke luar”. Jadi, untuk memblokir kasus-kasus karya seni mental sepenuhnya, ahli teori ekspresi harus menambahkan bahwa proses klarifikasi dan transmisi emosi diamankan melalui garis, bentuk, warna, suara, tindakan dan/atau kata-kata. Ini menjamin bahwa sebuah karya seni, setidaknya pada prinsipnya, dapat diakses publik—bahwa karya seni tersebut diwujudkan dalam beberapa media yang dapat diakses publik.

    Di sini, penting untuk dicatat bahwa daripada menyatakan persyaratan ini dalam

    cara, menggunakan frase atau gerakan cara ahli biologi menggunakan reagen. Dia memeriksanya dari sudut yang berbeda dan dengan teknik yang berbeda, semakin dekat dengan apa yang unik tentangnya. Pada saat dia selesai, jika dia berhasil, dia akan menangkap perasaannya dengan tepat dan memungkinkan pemirsa, pendengar, atau pembaca untuk melakukan hal yang sama. Dia telah merasakan rasa emosinya dalam semua kekayaan dan kekhasannya, dan dia telah memungkinkan orang lain untuk melakukan hal yang sama.

    Sebagai contoh, dalam Soneta LXXIII-nya (“Waktu itu tahun engkau boleh melihatku”), Shakespeare menjelaskan pengalaman intensifikasi tertentu yang kita rasakan untuk orang yang kita cintai ketika kita menyadari bahwa suatu hari mereka akan binasa. Dalam bait-bait berturut-turut, Shakespeare memperkenalkan berbagai metafora kematian, kepunahan, dan berlalu, sehingga mendorong suasana hati yang sangat khusus pada pembaca, yang lebih tepat untuk akumulasi kiasan yang terhubung, yang melalui warnanya yang beragam menggambarkan keadaan emosional yang bercampur aduk, tidak hanya sedih, tetapi juga tersentuh dengan vitalitas yang menyelamatkan.

    Tentu saja, penonton tidak mengalami emosi yang sama seperti yang dialami artis; emosinya terjadi dalam batas-batas tubuhnya, sementara kita masing-masing mengalami emosi kita di tempat kita tinggal. Namun, apa yang dibagikan adalah tipe emosi yang sama. Selain itu, kami tertarik pada seni, dalam pandangan ini, karena memberikan kesempatan untuk mengalami, jika tidak selalu emosi baru, setidaknya emosi yang lebih diuraikan, diartikulasikan, dan tepat daripada yang biasanya kita lakukan. Seni memungkinkan penonton untuk menemukan dan merenungkan kemungkinan emosional. Jadi, pengertian klarifikasi perlu ditambahkan pada penjelasan teoris ekspresi seni. Mari kita katakan bahwa sesuatu adalah seni hanya jika itu adalah transmisi yang dimaksudkan kepada audiens dari perasaan individual yang sama yang dialami dan diklarifikasi oleh seniman.

    Tak perlu dikatakan, seorang seniman mungkin mengklarifikasi perasaannya dengan hanya berfokus pada mereka secara mental. Artinya, paling tidak dapat dibayangkan bahwa seseorang dapat memperjelas keadaan emosinya hanya dengan memikirkannya. Emosi, kemudian, akan diklarifikasi tetapi tidak dieksternalisasi. Namun, bisakah sebuah karya seni ada sepenuhnya, bisa dikatakan, di dalam kepala seseorang? Ini tampaknya melanggar pemahaman kita yang biasa tentang seni yang menganggap karya seni sebagai urusan publik. Tampaknya juga tidak konsisten dengan gagasan ekspresi yang pada dasarnya bertumpu pada gagasan tentang sesuatu yang “di dalam” dibawa “ke luar”. Jadi, untuk memblokir kasus-kasus karya seni mental sepenuhnya, ahli teori ekspresi harus menambahkan bahwa proses klarifikasi dan transmisi emosi diamankan melalui garis, bentuk, warna, suara, tindakan dan/atau kata-kata. Ini menjamin bahwa sebuah karya seni, setidaknya pada prinsipnya, dapat diakses publik—bahwa karya seni tersebut diwujudkan dalam beberapa media yang dapat diakses publik.

    Di sini, penting untuk dicatat bahwa daripada menyatakan persyaratan ini dalam

    cara, menggunakan frase atau gerakan cara ahli biologi menggunakan reagen. Dia memeriksanya dari sudut yang berbeda dan dengan teknik yang berbeda, semakin dekat dengan apa yang unik tentangnya. Pada saat dia selesai, jika dia berhasil, dia akan menangkap perasaannya dengan tepat dan memungkinkan pemirsa, pendengar, atau pembaca untuk melakukan hal yang sama. Dia telah merasakan rasa emosinya dalam semua kekayaan dan kekhasannya, dan dia telah memungkinkan orang lain untuk melakukan hal yang sama.

    Sebagai contoh, dalam Soneta LXXIII-nya (“Waktu itu tahun engkau boleh melihatku”), Shakespeare menjelaskan pengalaman intensifikasi tertentu yang kita rasakan untuk orang yang kita cintai ketika kita menyadari bahwa suatu hari mereka akan binasa. Dalam bait-bait berturut-turut, Shakespeare memperkenalkan berbagai metafora kematian, kepunahan, dan berlalu, sehingga mendorong suasana hati yang sangat khusus pada pembaca, yang lebih tepat untuk akumulasi kiasan yang terhubung, yang melalui warnanya yang beragam menggambarkan keadaan emosional yang bercampur aduk, tidak hanya sedih, tetapi juga tersentuh dengan vitalitas yang menyelamatkan.

    Tentu saja, penonton tidak mengalami emosi yang sama seperti yang dialami artis; emosinya terjadi dalam batas-batas tubuhnya, sementara kita masing-masing mengalami emosi kita di tempat kita tinggal. Namun, apa yang dibagikan adalah tipe emosi yang sama. Selain itu, kami tertarik pada seni, dalam pandangan ini, karena memberikan kesempatan untuk mengalami, jika tidak selalu emosi baru, setidaknya emosi yang lebih diuraikan, diartikulasikan, dan tepat daripada yang biasanya kita lakukan. Seni memungkinkan penonton untuk menemukan dan merenungkan kemungkinan emosional. Jadi, pengertian klarifikasi perlu ditambahkan pada penjelasan teoris ekspresi seni. Mari kita katakan bahwa sesuatu adalah seni hanya jika itu adalah transmisi yang dimaksudkan kepada audiens dari perasaan individual yang sama yang dialami dan diklarifikasi oleh seniman.

    Tak perlu dikatakan, seorang seniman mungkin mengklarifikasi perasaannya dengan hanya berfokus pada mereka secara mental. Artinya, paling tidak dapat dibayangkan bahwa seseorang dapat memperjelas keadaan emosinya hanya dengan memikirkannya. Emosi, kemudian, akan diklarifikasi tetapi tidak dieksternalisasi. Namun, bisakah sebuah karya seni ada sepenuhnya, bisa dikatakan, di dalam kepala seseorang? Ini tampaknya melanggar pemahaman kita yang biasa tentang seni yang menganggap karya seni sebagai urusan publik. Tampaknya juga tidak konsisten dengan gagasan ekspresi yang pada dasarnya bertumpu pada gagasan tentang sesuatu yang “di dalam” dibawa “ke luar”. Jadi, untuk memblokir kasus-kasus karya seni mental sepenuhnya, ahli teori ekspresi harus menambahkan bahwa proses klarifikasi dan transmisi emosi diamankan melalui garis, bentuk, warna, suara, tindakan dan/atau kata-kata. Ini menjamin bahwa sebuah karya seni, setidaknya pada prinsipnya, dapat diakses publik—bahwa karya seni tersebut diwujudkan dalam beberapa media yang dapat diakses publik.

    Di sini, penting untuk dicatat bahwa daripada menyatakan persyaratan ini dalam

    media artistik, telah dinyatakan secara lebih luas dalam hal media yang dapat diakses publik-garis, warna, bentuk, suara, tindakan dan/atau kata-kata. Hal ini dilakukan untuk menghindari sirkularitas dalam definisi, karena ahli teori ekspresi mencoba untuk mendefinisikan seni; jadi jika ahli teori ekspresi menyebutkan “seni” (media artistik) dalam definisi, dia mengasumsikan konsep yang seharusnya dia jelaskan.

    Demikian juga, ahli teori ekspresi tidak mengatakan bahwa proses transmisi dan klarifikasi harus dilakukan melalui musik, sastra, drama, dan bentuk seni lainnya karena cara membingkai masalah ini mengandaikan kita memiliki cara untuk memilih bentuk seni sebelum mendefinisikannya. pengertian seni. Oleh karena itu, untuk menghindari sirkularitas, para ahli teori ekspresi, seperti Tolstoy, telah berusaha mengkarakterisasi seni dengan menyebutkan media yang relevan untuk membuat seni tanpa dalam proses

    konsep seni baik secara eksplisit maupun implisit. Merakit pertimbangan sebelumnya, maka, kita dapat menyatakan satu versi yang sangat representatif dari teori ekspresi seni secara formula sebagai:

    x adalah sebuah karya seni jika dan hanya jika x adalah (1) dimaksudkan (2) transmisi ke penonton (3) dari diri yang sama (tipe identik) (4) individual (5) keadaan perasaan (emosi) (6 ) yang dialami seniman (dirinya sendiri) (7) dan dijelaskan (8) melalui garis, bentuk, warna, suara, tindakan dan/atau kata-kata.

    Kita dapat menyebut versi teori ekspresi ini “teori transmisi” karena memerlukan (dalam kondisi #2) bahwa emosi yang diklarifikasi dikomunikasikan kepada audiens. Versi lain dari teori ekspresi dapat diperoleh dengan menghilangkan persyaratan ini, memungkinkan sesuatu adalah karya seni selama melibatkan klarifikasi emosi, terlepas dari apakah itu dimaksudkan untuk ditransmisikan ke penonton. Kita bisa menyebutnya sebagai “teori seni ekspresi tunggal”, karena teori ini menyatakan bahwa sesuatu adalah karya seni selama penciptanya telah memperjelas keadaan emosinya (jika hanya untuk dirinya sendiri) melalui garis, warna, dan sebagainya. Teori transmisi dan teori ekspresi tunggal adalah dua teori ekspresi seni yang paling banyak dibahas.

    Teori ekspresi seni tampaknya lebih unggul daripada teori seni representasional. Mereka tampak lebih komprehensif. Tidak hanya mereka lebih cocok untuk mengakomodasi gaya subjektif dari banyak seni maju sejak Romantisisme. Mereka umumnya berkaitan dengan seni masa lalu. Romantisme menarik perhatian kita pada porsi seniman dalam penciptaan sebuah karya seni pada kenyataan bahwa sebuah karya seni mewujudkan sikap, perasaan, emosi, dan/atau sudut pandang seniman terhadap subjeknya. Romantisme menekankan fitur-fitur karya seni ini dengan kuat. Tapi sekali Romantisisme

    media artistik, telah dinyatakan secara lebih luas dalam hal media yang dapat diakses publik-garis, warna, bentuk, suara, tindakan dan/atau kata-kata. Hal ini dilakukan untuk menghindari sirkularitas dalam definisi, karena ahli teori ekspresi mencoba untuk mendefinisikan seni; jadi jika ahli teori ekspresi menyebutkan “seni” (media artistik) dalam definisi, dia mengasumsikan konsep yang seharusnya dia jelaskan.

    Demikian juga, ahli teori ekspresi tidak mengatakan bahwa proses transmisi dan klarifikasi harus dilakukan melalui musik, sastra, drama, dan bentuk seni lainnya karena cara membingkai masalah ini mengandaikan kita memiliki cara untuk memilih bentuk seni sebelum mendefinisikannya. pengertian seni. Oleh karena itu, untuk menghindari sirkularitas, para ahli teori ekspresi, seperti Tolstoy, telah berusaha mengkarakterisasi seni dengan menyebutkan media yang relevan untuk membuat seni tanpa dalam proses

    konsep seni baik secara eksplisit maupun implisit. Merakit pertimbangan sebelumnya, maka, kita dapat menyatakan satu versi yang sangat representatif dari teori ekspresi seni secara formula sebagai:

    x adalah sebuah karya seni jika dan hanya jika x adalah (1) dimaksudkan (2) transmisi ke penonton (3) dari diri yang sama (tipe identik) (4) individual (5) keadaan perasaan (emosi) (6 ) yang dialami seniman (dirinya sendiri) (7) dan dijelaskan (8) melalui garis, bentuk, warna, suara, tindakan dan/atau kata-kata.

    Kita dapat menyebut versi teori ekspresi ini “teori transmisi” karena memerlukan (dalam kondisi #2) bahwa emosi yang diklarifikasi dikomunikasikan kepada audiens. Versi lain dari teori ekspresi dapat diperoleh dengan menghilangkan persyaratan ini, memungkinkan sesuatu adalah karya seni selama melibatkan klarifikasi emosi, terlepas dari apakah itu dimaksudkan untuk ditransmisikan ke penonton. Kita bisa menyebutnya sebagai “teori seni ekspresi tunggal”, karena teori ini menyatakan bahwa sesuatu adalah karya seni selama penciptanya telah memperjelas keadaan emosinya (jika hanya untuk dirinya sendiri) melalui garis, warna, dan sebagainya. Teori transmisi dan teori ekspresi tunggal adalah dua teori ekspresi seni yang paling banyak dibahas.

    Teori ekspresi seni tampaknya lebih unggul daripada teori seni representasional. Mereka tampak lebih komprehensif. Tidak hanya mereka lebih cocok untuk mengakomodasi gaya subjektif dari banyak seni maju sejak Romantisisme. Mereka umumnya berkaitan dengan seni masa lalu. Romantisme menarik perhatian kita pada porsi seniman dalam penciptaan sebuah karya seni pada kenyataan bahwa sebuah karya seni mewujudkan sikap, perasaan, emosi, dan/atau sudut pandang seniman terhadap subjeknya. Romantisme menekankan fitur-fitur karya seni ini dengan kuat. Tapi sekali Romantisisme,

    dengan memperhatikan dimensi subjektif dari ciptaannya sendiri, orang dapat melihat seni masa lalu memiliki fitur-fitur ini juga.

    Mungkin seniman di masa lalu berpikir bahwa mereka hanya mencerminkan kenyataan. Namun di belakang, setelah Romantisisme, orang dapat melihat secara retrospektif bahwa karya-karya mereka datang dengan sudut pandang dan menunjukkan sikap, perasaan dan emosi terhadap subjek mereka. Mungkin ungkapan ahli teori seni bisa menambahkan, “Bagaimana bisa sebaliknya?” Jadi, teori ekspresi seni bukan hanya teori seni Romantis yang mengesankan dan warisannya; itu juga melakukan pekerjaan yang baik, jika tidak lebih baik, melacak seni pra-Romantis. Pendekatannya terhadap musik, misalnya, tampaknya tidak setegas teori tiruan dan representasi seni. Berbicara tentang musik orkestra murni sebagai ekspresi perasaan tampaknya benar, sedangkan membicarakannya secara umum dalam hal representasi tampak hampir konyol.

    Hanya dalam hal kelengkapan, teori ekspresi lebih unggul daripada teori imitasi dan representasi saingan. Tetapi teori ekspresi seni juga menyarankan peran penting seni, yang menginvestasikannya dengan misi yang sebanding dengan sains. Jika sains mengeksplorasi dunia luar alam dan perilaku manusia, seni, menurut teori ekspresi, mengeksplorasi dunia subjektif perasaan. Sains membuat penemuan tentang fisika dan pasar. Seni membuat penemuan tentang emosi. Naturalis mengidentifikasi spesies baru; artis mengidentifikasi variasi emosional baru dan warna suaranya. Dengan demikian, teori ekspresi seni tidak hanya menjelaskan apa yang membuat sesuatu menjadi seni secara lebih komprehensif daripada yang dilakukan para pesaing sebelumnya; itu juga menjelaskan mengapa seni penting bagi kita. Ini adalah dua rekomendasi konsekuensial yang mendukungnya.

    Tanggapan

    Representasi adalah wujud nyata atau ciri suatu seni yang dimana dalam hal ini seni dicirikan dalam hal perhatian utama dengan fitu objektif dari dunia dengan perilaku yang dapat diamati.
    Tetapi, di Barat, ketika abad kedelapan belas melebur ke dalam abad kesembilan belas, seniman-seniman ambisius-baik dalam teori maupun praktik-mulai beralih ke dalam; mereka menjadi kurang sibuk dengan menangkap penampilan alam dan tata krama masyarakat dibandingkan dengan mengeksplorasi pengalaman subjektif mereka sendiri. Di mana seniman masih menggambarkan lanskap, lanskap memiliki makna di luar sifat fisiknya. Para seniman yang bersangkutan juga berusaha untuk mencatat reaksi mereka-perasaan mereka-tentang bentang alam.
    Sedangkan di bawah teori seni imitasi, seniman dikatakan hadir terutama untuk mencerminkan dunia objektif.
    Sebuah contoh penting dari pergeseran seismik dalam ambisi artistik adalah gerakan Romantis. Pada tahun 1798, dalam Preface to Lyrical Ballads-nya,

    Wordsworth menyatakan bahwa puisi “adalah luapan spontan dari perasaan yang kuat.” Artinya, peran penyair pada hakikatnya bukan untuk mencerminkan tindakan orang lain, tetapi untuk mengeksplorasi perasaannya sendiri. Romantisme menempatkan nilai utama pada diri dan pengalaman individunya sendiri. Di mana penyair merenungkan beberapa adegan luar, adegan itu tidak disajikan untuk dirinya sendiri, tetapi sebagai stimulus bagi penyair untuk memeriksa respons emosionalnya sendiri terhadapnya.

    Romantisme sangat mempengaruhi
    hidup dalam bayang-bayang
    jalannya seni berikutnya. Kami masih Romantisisme. Mungkin citra artis yang paling sering muncul dalam budaya populer saat ini tetap menjadi penulis yang mendesak secara emosional (komposer, pelukis, dll.) yang mencoba berhubungan dengan perasaannya. Banyak gerakan seni abad kedua puluh, dari Ekspresionisme Jerman hingga Tari Modern, dapat dilihat sebagai keturunan langsung Romantisisme.

    Teori seni representasional memperlakukan karya seniman mirip dengan karya ilmuwan. Keduanya, bisa dikatakan, terlibat dalam menggambarkan dunia luar. Tetapi pada abad kesembilan belas, perbandingan apa pun antara ilmuwan dan seniman pasti akan membuat seniman terlihat seperti hubungan yang buruk dalam hal membuat penemuan tentang dunia atau mengangkat cermin ke alam. Di sini, sains jelas memiliki keunggulan.

    Jadi, ada tekanan sosial bagi seni untuk memunculkan beberapa panggilan yang membedakan dirinya dari sains dan, pada saat yang sama.
    Meskipun teori ekspresi seni berbeda dalam banyak hal, satu jenis teori, yang dipopulerkan oleh Leo Tolstoy,

    menganggap ekspresi sebagai bentuk komunikasi. Ketika saya mengekspresikan diri kepada Anda, saya berkomunikasi dengan Anda. Tentu saja, tidak semua komunikasi adalah seni.
    Seorang seniman memeriksa emosinya; bukan hanya karena dia dirasuki oleh mereka. Bagi artis, keadaan emosinya seperti pengasuh yang berpose untuk potret. Dia berjuang untuk menemukan tekstur dan konturnya. Saat dia merenungkan keadaan emosinya, aktivitasnya dikendalikan. Dia menjelajahinya dengan sengaja dan mencoba menemukan kata, atau warna, atau suara yang tepat untuk mengekspresikannya.

  • how to beauty matter

    Aesthetics 

    A Reader in Philosophy of the Arts 

    David Goldblatt

    Preg bren weiser

    Dicetak atas izin penulis.

    Bagaimana kecantikan itu penting


    Bagaimana kita memandang, memahami, dan mengapresiasi sebuah karya seni rupa yang kompleks dan menantang? seperti Transfigure Leon Mostovoy dan bagaimana, dalam pertemuan kita dengannya, keindahan
    urusan? Transfigure Project—buku, film, dan instalasi fotografi tahun 2013 yang sekarang juga situs web interaktif—adalah “proyek ekspresi diri fisik, disajikan sebagai eksperimental, pesta visual” di mana “transfigure” berarti “berubah menjadi sesuatu” lebih indah atau lebih tinggi” (http://transfigureproject.com/). Foto-foto lima puluh telanjang
    tokoh-tokoh trans-identifikasi dapat diatur secara main-main dalam berbagai kombinasi; seorang wanita , kepala dapat muncul di atas batang tubuh pasca operasi di atas panggul dengan penis. Hasilnya, menurut artis, adalah “perayaan tubuh yang melampaui biner gender” dan menghancurkan stereotip gagasan keindahan, terutama dalam cara mereka berpose: “Model difoto dalam posisi boneka kertas, dengan gambar dipisahkan di tiga tempat untuk menciptakan tampilan buku mix-and-match anak-anak zaman dulu.”
    Kurang fokus pada media dan lebih pada pesan, mari kita lihat caranya
    tubuh transgender berfungsi untuk seniman sebagai fokus visualisasi cairan.
    Gambar tersebut menggambarkan kompleksitas gender dan tubuh dan cara-cara di mana ini kombinasi mungkin mengejutkan. Dalam mewakili orang/tubuh varian gender, maksud saya adalah untuk menggambarkan bahwa gender, jenis kelamin, seksualitas, presentasi, dan ketertarikan adalah terpisah dan, meskipun terkadang mereka berbaur, masyarakat/orang tidak boleh berasumsi bahwa kita adalah dibatasi oleh versi yang dapat diprediksi dari variabel-variabel ini.
    Bagaimana makna Transfigure menantang dan menumbangkan teori tradisional di estetika?

    Dimulai pada abad kedelapan belas, para filsuf yang bertanggung jawab atas berdirinya
    estetika modern menganjurkan untuk melihat keindahan tubuh manusia dengan sikap yang kaku
    ketidaktertarikan: kapasitas yang dipupuk dalam “manusia selera” yang berpendidikan tetapi tidak pernah

    dalam kelompok perempuan yang dianggap lebih rendah atau “orang biadab yang mulia.” Bahkan awal hingga pertengahan
    ahli estetika abad kedua puluh merendahkan pentingnya konteks sosial karya seni itu

    dengan memfokuskan secara eksklusif pada apa yang tampak diamati dalam karya seni, apakah itu
    dianggap “bentuk signifikan” atau sifat estetika dalam isolasi [lihat esai Weiser “Feminisme”
    dalam Konteks” Bagian IX, Bab 96 dalam volume ini]. Ringkasnya diberhentikan karena tidak relevan dengan
    proses kreatif adalah pertimbangan artis, jenis kelaminnya, ras, kelas, etnis,
    seksualitas, dan bahkan niat artistik. Namun, sebuah revolusi terjadi pada periode setelahnya
    Perang Dunia II, dimulai pada tahun 1960-an, dengan seniman perempuan menciptakan karya-karya inovatif yang
    mengungkapkan tantangan feminis terhadap penggambaran tradisional dan arus utama tubuh perempuan.
    Karya seni semacam itu juga berfungsi untuk menumbangkan strategi interpretasi sempit dari estetika usang
    teori. Minoritas yang kurang terwakili dalam dunia seni—kulit hitam, wanita, Latin,
    Orang Asia, artis penyandang disabilitas, gay, dan lesbian—mulai menggambarkan diri mereka secara unik
    dan cara-cara kreatif yang menyampaikan kemandirian, kekuasaan, dan martabat. Norma yang dikenal,kecantikan dijungkirbalikkan.

    Lima puluh tahun terakhir telah menyaksikan ledakan nyata seni baru yang pada gilirannya mengilhami cara-cara inovatif untuk “melihat” yang secara drastis berbeda dari cara “orang-orang”
    rasa” telah, selama berabad-abad, menghargai keindahan dan mengalami kesenangan dalam melihat karya seni
    oleh “tuan tua.” Mulai tahun 1970-an, misalnya, Laura Mulvey berpendapat bahwa sejarah seni standar telah mengajarkan kita semua untuk melihat prototipikal wanita telanjang di sofa dengan “tatapan laki-laki” yang berusaha untuk memiliki dan mengeksploitasi tubuh pasif yang dipamerkan untuk
    lebih aktif, kuat, dan penonton laki-laki (atau maskulin) berhak. Pengarang bell hooks berdebat ras itu lebih lanjut bersinggungan dengan gender dengan menempatkan “tatapan berlawanan” yang mengekspos
    hak istimewa kulit putih. Susan Bordo menyarankan agar kita belajar membaca tubuh pria gay di iklan provokatif sebagai “lebih ramping” dan lebih banyak tipe hetero/maskulin sebagai “batu”. Anita Silvers
    menunjukkan kepada kita bahwa kita dapat memperlakukan anomali fisik manusia sebagai sesuatu yang indah—dirasakan dari segi
    kebaruan, ketidakseimbangan, dan bahkan “kebengkokan,” dan bukan kelainan atau keburukan—
    dengan melihat dan belajar dari karya seni. Arthur Danto menjelaskan tato New Penduduk asli Selandia sebagai bentuk kecantikan Hegelian, sementara Whitney Davis mengungkap
    keindahan aneh di patung-patung anak laki-laki muda nubile abad kesembilan belas yang secara ringkas
    diabaikan oleh sarjana J. J. Winkelmann dan Immanuel Kant. Phoebe Farris melatih kembali kami
    mata pada keindahan asli penduduk asli Amerika. (Banyak dari sudut pandang ini adalah dibahas di Beauty Matters, dan Beauty Unlimited, diedit oleh Peg Brand.)
    Dalam semua kasus ini dan lebih banyak lagi, cara melihat/melihat/mengerti menjadi pusat dari
    teori dari berbagai disiplin ilmu seperti psikologi, ilmu kognitif, dan filsafat

    yang menarik perhatian pada cara kita melihat. Mereka berusaha untuk memberikan cahaya baru pada yang mendasarinya
    asumsi dan norma kecantikan fisik (atau kecantikan) yang memungkinkan kita untuk memproses dan menilai
    tubuh manusia yang dipamerkan. Beberapa dari kami menjadi mahasiswa lagi; kami melakukan yang disengaja
    proses melatih diri kita untuk memahami hal-hal baru, dengan cara yang segar—dengan “mata batin”
    (istilah penulis Afrika-Amerika Ralph Ellison) yang mendasari dan membentuk suatu kognitif kerangka kerja untuk tindakan melihat yang sebenarnya (lihat diskusi Paul Taylor tentang Ellison in Black adalah
    Indah: Filosofi Estetika Hitam). Data eksperimental dan teori terbaru
    tentang persepsi baru mulai berkontribusi pada studi yang lebih dalam tentang peran kompleks keindahan bermain dalam tindakan melihat dan kognisi. Pertimbangkan, misalnya, cara-cara baru yang kita
    mungkin “melihat” tubuh ramping seorang atlet elit, seperti pelari Afrika Selatan yang memecahkan rekor
    Caster Semenya, yang telah “tampak” maskulin dengan curiga di hadapan hakim Internasional
    Komite Olimpiade. (Lihat Weiser dan Weiser, “Norma Estetika Kecantikan yang Menyesatkan: Seksisme Perseptual dalam Olahraga Wanita Elit,” dalam Estetika Tubuh, diedit oleh Sherri Irvin,
    2016.) Dengan latar belakang bagaimana berbagai pemikir telah menyarankan agar kita melihat, lihat,
    dan menganalisis tubuh manusia, mari kita kembali ke pertanyaan awal kita tentang bagaimana kita bisa melakukan yang terbaik
    memahami dan mengapresiasi karya seni visual berjudul Transfigure. Kami tidak disajikan dengan citra seksual tradisional dari seorang wanita telanjang,
    atau model pria menggoda yang bersandar di dinding, atau alat kelamin erotis dari pornografi
    pose; pada kenyataannya, respons naluriah kita untuk merasakan kesenangan mungkin digagalkan. Sebaliknya, kita melihat
    badan yang dapat dipertukarkan, masing-masing tersegmentasi menjadi tiga bagian yang dapat disandingkan dalam
    cara yang tak terhitung banyaknya. Tampilan mereka frontal dan grafis, namun anehnya seperti kekanak-kanakan di
    “posisi boneka kertas.” Kami diundang masuk; kami penasaran dan menemukan cara baru untuk membaca
    gambar yang memberi orang-orang ini hak pilihan dan otonomi mereka dan mencegah kita dari
    dengan asumsi bahwa mereka hanyalah objek seksual pasif, yang dipamerkan untuk voyeuristik kami
    kesenangan. Mostovoy menggambarkan kompleksitas kombinasi ini sebagai “mengejutkan,”
    sehingga mendorong kita untuk menanggapi secara positif kemungkinan “gender” yang divisualisasikan
    varian orang/tubuh” dengan menyatakan bahwa niatnya, sebagai seorang pria transgender, adalah “untuk mengilustrasikan”
    bahwa gender, jenis kelamin, seksualitas, presentasi, dan ketertarikan adalah terpisah dan, meskipun mungkin
    berbaur di kali, masyarakat / orang tidak boleh berasumsi bahwa kita dibatasi oleh
    versi yang dapat diprediksi dari variabel-variabel ini.” Fisik bukanlah penghalang; sebaliknya, kita adalah
    dibatasi hanya oleh praduga kita.

    Kecantikan penting di sini karena kita melihat tubuh manusia dalam kerangka mental siapa
    dan apa yang sudah dianggap indah: normal, ideal, dan, karenanya, bagus. Kami mau tidak mau
    datang ke semua objek persepsi dengan asumsi, keyakinan, dan harapan yang terbentuk sebelumnya.
    Mostovoy meminta kami untuk mendidik kembali proses visual kami untuk memasukkan lebih sedikit “versi yang dapat diprediksi” dari
    biner yang dipegang teguh seperti “pria” dan “wanita”, “hitam” dan “putih”, “heteroseksual” dan
    “queer” dengan memperkenalkan kita—dengan main-main—ke berbagai kemungkinan “latar belakang etnis,
    ukuran dan bentuk tubuh, rentang usia, pra-operasi (operasi penggantian kelamin pra-seks), pasca-operasi, dengan tegas
    tidak-op, pada hormon dan tidak, ”semua dicampur bersama dengan cara yang tidak wajar. Gagasan yang terbentuk sebelumnya
    keindahan penting di tingkat bawah sadar tentang bagaimana kita melihat dan menilai perbedaan yang melekat
    dalam tubuh yang belum pernah terlihat sebelumnya, tubuh yang tidak akan pernah terlihat utuh karena kita hanya melihat
    fragmen tubuh yang disandingkan, bukan orang yang sebenarnya.
    Karena buku Transfigure “mencakup semua orang yang mengidentifikasi diri sebagai transgender,” itu
    adalah dasar untuk melatih kembali “mata batin” kita menuju respons yang lebih positif terhadap keragaman
    keindahan. Pada akhirnya keyakinan kita tentang kecantikan bergantung pada identitas pribadi dan perasaan seseorang
    harga diri, etika moral dan bukan hanya aspek estetika dari sebuah karya seni, rasa
    keadilan dan keadilan dalam bagaimana orang diperlakukan dalam masyarakat campuran, dan linguistik
    pilihan yang kami ajukan untuk berbicara tentang anggota komunitas LGBTQ. Kecantikan itu penting dan
    tanggapan kita terhadap spektrum penampilan manusia mencerminkan kembali kita: siapa kita, bagaimana

    kita melihat diri kita sendiri di antara orang lain, bagaimana kita berbicara tentang diri kita sendiri, bagaimana kita mengharapkan dan berharap untuk
    diperlakukan.
    Kecantikan telah digunakan dalam diskusi tentang kesenangan dan pornografi, mode dan kebugaran,
    atletis dan aktivis. Itu pantas mendapatkan peran yang lebih menonjol dalam estetika masa depan
    pembahasan tentang tubuh manusia. Transfigure menyediakan transisi ke yang ditinggikan itu
    ceramah.

    Hasil bacaan saya menunjukkan arti yang terkandung dalam how to beauty matter atau bagaimana kecantikan itu penting adalah cara bagaimana kita memandang memahami suatu karya dalam senin dalam buku tersebut juga banyak refensi dari mulai buku, film, dan fotografi.

    Tapi didalam part dalam buku ini menunjukkan lebih spesifik tentang kecantikkan atau keindahan Wanita. Di situ juga terdapat foto patung atau karya seni yang dilihat seperti patung yang sedang telanjang berkelamin laki-laki. Itu mungkin termasuk contoh karya yang meandang kecantikan dalam suatu karya itu sendiri.  maksud saya adalah untuk menggambarkan bahwa gender, jenis kelamin, seksualitas, presentasi, dan ketertarikan adalah terpisah dan, meskipun terkadang mereka berbaur, masyarakat/orang tidak boleh berasumsi bahwa kita adalah dibatasi oleh versi yang dapat diprediksi dari variabel-variabel ini.

    Kecantikan penting di sini karena kita melihat tubuh manusia dalam kerangka mental siapa
    dan apa yang sudah dianggap indah: normal, ideal, dan, karenanya, bagus. Kami mau tidak mau
    datang ke semua objek persepsi dengan asumsi, keyakinan, dan harapan yang terbentuk sebelumnya.  keindahan penting di tingkat bawah sadar tentang bagaimana kita melihat dan menilai perbedaan yang melekat
    dalam tubuh yang belum pernah terlihat sebelumnya, tubuh yang tidak akan pernah terlihat utuh karena kita hanya melihat
    fragmen tubuh yang disandingkan, bukan orang yang sebenarnya.

    -bukhory
  • Halo Dunia!

    Selamat Datang di WordPress! Ini adalah pos pertama Anda. Sunting atau hapus pos tersebut sebagai langkah pertama dalam perjalanan blogging Anda.

Buat situs web Anda dengan WordPress.com
Mulai